historia de la imagen grafica
El hombre mejorar cada ves las reprecentaciones se la por la nesesidad de difundir y conservar el conosimiento cada ves con mallor fidelidad.
Cueva de Altamira
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| Pintura rupestre en la cueva de altamira |
El hallazgo de la cueva de Altamira se debió a Modesto Cubillas, hacia 1868, quien se lo comunicó a Marcelino Sanz de Sautuola, que visitó a la cueva por primera vez en 1875. Tres años más tarde acudió a la Exposición Universal que se celebraba en París y allí conoció de primera mano algunos objetos prehistóricos encontrados en cuevas del sur de Francia, donde se excavaba desde hacía años en busca de los más remotos tiempos de la humanidad. Sautuola, que ya tenía una amplia formación en Ciencias Naturales y en Historia, regresó a España con una perspectiva renovada y decidido a emprender sus propios trabajos en las cuevas de Cantabria. Volvió a Altamira, acompañado por su hija, María, y será la niña la primera en ver las famosas pinturas policromas.
En 1.880 publicó el hallazgo en el folleto Breves apuntes sobre algunos objetos prehistóricos de la Provincia de Santander, atribuyendo las pinturas a la prehistoria, al periodo paleolítico. A pesar su lúcido análisis, sus contemporáneos, desde diferentes perspectivas intelectuales, evolucionistas, creacionistas o los incrédulos prehistoriadores del momento, fueron incapaces de asumir su planteamiento. Altamira se sumió en el olvido.
El conocimiento actual permite asumir que el Arte de Altamira corresponde al mismo marco cronológico que el depósito arqueológico, entre 35.000 y 13.000 años.
Se teoriza que estas pinturas tenian un caracter animico, se trataba de atrapar el alman del animal, ya que este era su medio de vida y sin el no hubiesen podido subsistir, tambien se cre que tenian carater pedagogico pues las lanzas apuntadas al animal en las pinturas chocan con puntos clave del cuerpo donde `podrian matar al animial con facilidad. Talves nunca lo sabremos, por hoy su significado sigue siendo un misterio, pero quedan como muestra de que desde tiempos inmemorables hemos tenido la nesesidad d comunicar nuestras ideas de manera visual.
Inanna
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| Inanna |
Otra diosa de indudable importancia y sobre la que existen gran cantidad de registros es también Nin-nanna o Inanna, la diosa del cielo, de la fertilidad y del amor, a quien los babilonios llamarían posteriormente Ishtar, los griegos Afrodita y los Romanos Venus; quien como la Isis egipcia, fue capaz de engañar a Enki para tener mayores prerrogativas que otros dioses.
Aparentemente es nieta de Enlil y Ninlil, hija de la pareja lunar Nanna y Ningal, de ellos nacieron el dios Utu (dios del sol) y la diosa Inanna, la deidad encargada de Venus. Los sumerios evocaban a Inanna al mirar el planeta Venus, que brilla al atardecer y al romper el alba (Echlin, 2008).
se estima que vivieron 6700 años ac lo relevante a analizar en esta imagen es como los sumerios 7000 años antes de los griegos ya contaban una técnica escultórica que les permitía representar la realidad y también como la idealizaban
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Afrodita: |
| Afrodita |
La Venus de Cnido, Afrodita de Cnido o Afrodita Cnidea es una de las más célebres esculturas del escultor griego Praxíteles y una de sus primeras obras, realizada en Atenas en torno al año 360 a. C.
Observamos que la escultura escupida por los griegos a cambiado en aspectos como idealización de el ser , dándole proporciones perfectas al individuo que se quería representar , en este caso vemos ahora a una afrodita menos voluminosa y mas púdica.
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| Pintura de Afrodita siglo XV |
Afrodita estaba asociada con el mar, y con frecuencia era representada con él y con los delfines, las palomas, los cisnes, las almejas, las veneras, las perlas, y árboles como el granado, el manzano, el mirto y las rosas.
AutorSandro Botticelli, 1484
TécnicaTemple sobre lienzo
EstiloRenacimiento
Tamaño278,5 cm × 172,5 cm
Localización Galería Uffizi, Florencia, Itali
1000 años después en el renacentista se retoman los cánones de belleza griegos en el arte evidente en esta piesa pero con la diferencia que ahora el rostro es humano, aquí es donde se empieza arepresentar a los hombres y mujeres reales en el arte.
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| Simonetta Vespucci |
Fue retratada por Sandro Botticelli en varias ocasiones: la más célebre en el famoso cuadro El nacimiento de Venus. También fue retratada en las pinturas de Piero di Cosimo Retrato de Simonetta Vespucci (Museo Condé de Chantilly), en la cual aparece como Cleopatra con un áspid alrededor de su cuello, y La Muerte de Procris. Varios poemas y lienzos de diversos artistas fueron también creados en su honor.
Camara lucida:
Una cámara lúcida es un dispositivo óptico usado por artistas como ayuda para dibujar. Fue patentado en 1806 por William Hyde Wollaston. Parece ser que la cámara lúcida no es más que una reinvención de un dispositivo descrito claramente 200 años antes por Johannes Kepler en su obra Dioptrice (1611). Hacia el siglo XIX la descripción de Kepler cayó en el olvido, así que nadie demandó a Wollaston. El término cámara lúcida es de Wollaston.
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| Uso de la camara lucida |
La cámara lúcida realiza una superposición óptica del tema que se está viendo y de la superficie en la que el artista está dibujando. El artista ve las dos escenas superpuestas, como en una fotografía que se haya expuesto dos veces. Esto permite al artista transferir puntos de referencia de la escena a la superficie de dibujo, anudándole así en la recreación exacta de la perspectiva.
Si se utiliza papel blanco, la superposición del papel con la escena tiende a eliminar ésta, haciéndola difícil de ver. Al trabajar con una cámara lúcida es recomendable utilizar papel negro y dibujar con un lápiz blanco.
La cámara lucida se convierte en una herramienta importante para el artista ya que le permitía copiar la naturaleza no solo con rapidez sino también con exactitud
Dagerrotipo
Louis Daguerre nació en 1787 en Francia, más exactamente en Cormeilles-en-Parisis. Desde joven se interesó por el arte, y se especializó en diferentes áreas sin poder asentarse en una sola. Fue aprendiz de arquitecto, diseñador de teatro, y pintor (trabajó varias veces junto a Prévost). Como diseñador teatral fue tan exitoso que casi podemos decir que fue su más grande obra, si no fuera por el daguerrotipo. Daguerre inventó en esa época el Diorama, una forma particular de visualizar imagenes, que se estrenó en París en 1822.
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| Dagerrotipo |
Pero no todos estuvieron interesados en un comienzo: el inventor tuvo problemas para encontrar alguien interesado en financiarlo, hasta que en 1839 finalmente publicitó su invento en una reunión en la Academia Francesa de Ciencias.
Los primeros que pudieron ver el dispositivo de Daguerre lo llamaron milagroso. La novedad se esparció como fuego salvaje y Daguerre vendió los derechos de su invento al gobierno francés, a cambio de una pensión vitalicia para él y para el hijo de Niépce. Los franceses se encargaron de publicitar el invento de ahí en adelante, llamándolo el “regalo de Francia para el mundo”; y adjuntando además cuidadosas instrucciones de uso.
En 1851, siendo uno de los inventores más populares de Francia y uno de los 72 nombres marcados en la Torre Eiffel, Daguerre falleció de un ataque cardíaco. Pero su invento viviría mucho más tiempo que él. Eventualmente tecnología más moderna reemplazaría el uso del daguerrotipo, pero sin este invento la fotografía no habría llegado demasiado lejos.
Charles Baudelaire
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| Charles Baudelaire |
Charles Pierre Baudelaire (9 de abril de 1821-31 de agosto de 1867) fue un poeta, ensayista, crítico de arte y traductor francés. Paul Verlaine lo incluyó entre los poetas malditos de Francia del siglo XIX, debido a su vida bohemia y de excesos, y a la visión del mal que impregna su obra. Barbey d'Aurevilly, periodista y escritor francés, dijo de él que fue el Dante de una época decadente. Fue el poeta de mayor impacto en el simbolismo francés. Las influencias más importantes sobre él fueron Théophile Gautier, Joseph de Maistre (de quien dijo que le había enseñado a pensar) y, en particular, Edgar Allan Poe, a quien tradujo extensamente. A menudo se le acredita de haber acuñado el término «modernidad» (modernité) para designar la experiencia fluctuante y efímera de la vida en la metrópolis urbana y la responsabilidad que tiene el arte de capturar esa experiencia
En esos días deplorables, una industria nueva se dio a conocer y contribuyó no poco a confirmar la fe en su necedad y a arruinar lo que podía quedar de divino en el espíritu francés. Esta multitud idólatra postulaba un ideal digno de ella y apropiado a su naturaleza, eso por supuesto. En materia de pintura y de estatuaria, el Credo actual de las gentes de mundo, sobre todo en Francia (y no creo que nadie se atreva a afirmar lo contrario), es éste: "Creo en la naturaleza y no creo más que en la naturaleza (hay buenas razones para ello). Creo que el arte es y no puede ser más que la reproducción exacta de la naturaleza (una secta tímida y disidente quiere que se desechen los objetos de naturaleza repugnante, como un orinal o un esqueleto). De este modo, la industria que nos daría un resultado idéntico a la naturaleza sería el arte absoluto". Un Dios vengador ha atendido a los ruegos de esta multitud. Daguerre fue su Mesías. Y entonces se dice: "Puesto que la fotografía nos da todas las garantías deseables de exactitud (eso creen, ¡los insensatos!), el arte es la fotografía". A partir de ese momento, la sociedad inmunda se precipitó, como un solo Narciso, a contemplar su trivial imagen sobre el metal. Una locura, un fanatismo extraordinario se apoderó de todos esos nuevos adoradores del sol. Se produjeron extraños horrores. Asociando y agrupando a truhanes y truhanas, emperifollados como los matarifes y las lavanderas en el Carnaval, rogando a esos héroes que quisieran mantener, durante el tiempo necesario para la operación, su mueca de circunstancia, se deleitaban reproduciendo las escenas, trágicas o graciosas, de la historia antigua. Algún escritor demócrata ha debido encontrar el medio, barato, de difundir entre el pueblo el gusto por la historia y por la pintura, cometiendo así un doble sacrilegio e insultando a un tiempo a la divina pintura y al arte sublime del comediante. Poco tiempo después, millares de ojos ávidos se inclinaban sobre los agujeros del estereóscopo como sobre los tragaluces del infinito. El amor a la obscenidad, que es tan vivaz en el corazón natural del hombre como el amor a sí mismo, no dejó escapar tan buena ocasión de satisfacerse. Y no se diga que los niños que regresaban de la escuela eran los únicos en disfrutar de esas tonterías: suscitaron el entusiasmo de todos. He oído a una hermosa dama, una dama de la buena sociedad, no de la mía, contestar a los que le ocultaban discretamente semejantes imágenes, encargándose así de sentir el pudor en su lugar: "Dénmelo, no hay nada demasiado fuerte para mí". Juro haberlo oído, pero ¿quién me creerá? "¡Ya ven lo que son las grandes damas!" dice Alexandre Dumas. "¡Las hay más grandes todavía!", dice Cazotte.
Como
la industria fotográfica era el refugio de todos los pintores
fracasados, demasiado poco capacitados o demasiado perezosos para acabar
sus estudios, ese universal entusiasmo no sólo ponía de manifiesto el
carácter de la ceguera y de la imbecilidad, sino que también tenía el
color de la venganza. Que tan estúpida conspiración, en la que se
encuentran, como en todas las demás, los embaucadores y los embaucados,
pueda triunfar de una manera absoluta, no puedo creerlo, o al menos no
quiero creerlo; pero estoy convencido de que los progresos mal aplicados
de la fotografía han contribuido mucho, como por otra parte todos los
progresos puramente materiales, al empobrecimiento del genio artístico
francés, ya tan escaso. Por más que la fatuidad moderna ruja, eructe
todos los exabruptos de su tosca personalidad, vomite todos los sofismas
indigestos de los que la ha atiborrado hasta la saciedad una filosofía
reciente, cae de su peso que la industria, al irrumpir en el arte, se
convierte en la más mortal enemiga, y que la confusión de funciones
impide cumplir bien ninguna. La poesía y el progreso son dos ambiciosos
que se odian con un odio instintivo, y, cuando coinciden en el mismo
camino, uno de los dos ha de valerse del otro. Si se permite que la
fotografía supla al arte en algunas de sus funciones pronto, gracias a
la alianza natural que encontrará en la necedad de la multitud, lo habrá
suplantado o totalmente corrompido. Es necesario, por tanto, que cumpla
con su verdadero deber, que es el de ser la sirvienta de las ciencias y
de las artes, pero la muy humilde sirvienta, lo mismo que la imprenta y
la estenografía, que ni han creado ni suplido a la literatura. Que
enriquezca rápidamente el álbum del viajero y devuelva a sus ojos la
precisión que falte a su memoria, que orne la biblioteca del
naturalista, exagere los animales microscópicos, consolide incluso con
algunas informaciones las hipótesis del astrónomo; que sea, por último,
la secretaria y la libreta de cualquiera que necesite en su profesión de
una absoluta exactitud material, hasta ahí tanto mejor. Que salve del
olvido las ruinas colgantes, los libros, las estampas y los manuscritos
que el tiempo devora, las cosas preciosas cuya forma va a desaparecer y
que piden un lugar en los archivos de nuestra memoria, se le agradecerá y
aplaudirá. Pero si se le permite invadir el terreno de lo impalpable y
de lo imaginario, en particular aquel que sólo vale porque el hombre le
añade su alma, entonces ¡ay de nosotros!
Charles BaudelaireSalones y otros escritos sobre arte 1859Antonio Machado Libros
pp. 231-233
Nadar:
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| El globo de Nadar |
Gaspard-Félix Tournachon (París, 6 de abril de 1820-21 de marzo de 1910), más conocido como Nadar, fue un fotógrafo, periodista, ilustrador, caricaturista y aeronauta francés.
Por consejo de un amigo compró una cámara fotográfica que utilizó para recoger los retratos que habrían de servir de base de las caricaturas de su obra Panthéon Nadar, 1853, donde aparecieron grandes personajes de la política y la cultura del momento pertenecientes a su círculo de amistades, tales como Charles Baudelaire. Una foto que hizo a éste fue luego empleada como modelo por Manet para un grabado.
Nunca se planteó el retrato fotográfico como una actividad con la que ganar dinero, pues mantenía unas ideas estéticas sobre cómo realizar los retratos que le alejaban de los criterios más comerciales, pero que por el contrario lo elevaban al rango artístico. En todo momento se negó a colorear los retratos, así como a practicar cualquier tipo de retoque. También renunció a la utilización de elementos de atrezzo. Nadar únicamente se sirve de la luz –modo de iluminar al modelo– y del gesto –mirada y actitud de los modelos favorecida por la relajación de los amigos fotografiados–, como elementos principales de la fotografía.
Nadar hacía retratos como lo haría un pintor pero con un medio nuevo. Ha habido un largo debate científico sobre si copiaba/imitaba la pintura, aunque parece que finalmente se ha acabado con la polémica al reconocer que, si bien es cierto que Nadar seguía los cánones clásicos ya sentados en la pintura con una técnica nueva, no deja de cultivar un género artístico del que también participa la pintura. En las obras de Nadar lo importante es realmente el rostro del retratado, razón por la cual se prescinde de adornos superfluos. En aras del realismo, desprecia el coloreado de las imágenes o su retoque, buscando con ello una mayor claridad.
A Nadar se deben las primeras fotografías aéreas de la historia en el año 1858,1 realizadas con una cámara fotográfica desde un globo aerostático. Esta innovación tuvo un gran interés militar. En los años 1870 fue nombrado comandante de una compañía de globos aeroestáticos para tomar fotografías de las posiciones de los prusianos que cercaban el París de la Comuna. También fue el primer fotógrafo en hacer fotografías con luz artificial, consiguiendo captar imágenes de las catacumbas de París.
Está enterrado en el Cementerio de Père-Lachaise en París.
Zoopraxiscopio
El zoopraxiscopio es un artefacto que fue importante en el desarrollo inicial de las películas cinematográficas, siendo anterior al cinematógrafo.
Creado por Eadweard Muybridge en 1879, proyectaba imágenes situadas en discos de cristal giratorios en una rápida sucesión para dar la impresión de movimiento. En el primer proyector las imágenes eran pintadas en el cristal como siluetas. Una segunda serie de discos, realizados entre 1892 y 1894, usaba dibujos perfilados impresos en los discos fotográficamente y coloreados a mano. Algunas de las imágenes animadas eran muy complejas, incluyendo múltiples combinaciones de secuencias de movimientos de animales y humanos. Las imágenes de los 71 discos conocidos que han sobrevivido se han reproducido en el libro Eadweard Muybridge: The Kingston Museum Bequest (The Projection Box, 2004).
Fuentes:
Imagen uso de la camra lucida: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6b/Cameralucida01.jpg/250px-Cameralucida01.jpgImagen fotografia: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/41/Primer_daguerrotipo_en_Espa%C3%B1a%2C_Casa_Xifr%C3%A9%2C_1848.jpg/220px-Primer_daguerrotipo_en_Espa%C3%B1a%2C_Casa_Xifr%C3%A9%2C_1848.jpg
Imagen dagerrotipo: https://fotorollo.files.wordpress.com/2011/03/poe.jpg
Imagen Simonetta Vespucci: https://s-media-cache-ak0.pinimg.com/236x/9a/55/e8/9a55e851feda3e0206c8cfaf31229e62.jpg
Imagen pintura de Afrodita siglo XV: https://www.quien.net/wp-content/uploads/afrodita-2.jpg
Imagen Afrofita: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/9a/Cnidus_Aphrodite_Altemps_Inv8619.jpg/220px-Cnidus_Aphrodite_Altemps_Inv8619.jpg
Imagen pintura rupestre: https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/cc/AltamiraBison.jpg/220px-AltamiraBison.jpg
http://museodealtamira.mcu.es/Prehistoria_y_Arte/arte_Altamira.html
https://litsdelaant.wordpress.com/mesopotamia/inanna-diosa-del-cielo-y-de-la-tierra/
http://ayoungknighttravel.blogspot.mx/2011/07/la-fotografia-por-charles-baudelaire.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Charles_Baudelaire
https://es.wikipedia.org/wiki/Nadar
https://revistafakta.files.wordpress.com/2014/04/foto-1.jpg
https://es.wikipedia.org/wiki/C%C3%A1mara_l%C3%BAcida
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